Luther

7.9
Luther es un apasionante thriller psicológico en el que la estrella es un impulsivo y brillante policía, John Luther. Para él, su profesión es una vocación más que un trabajo. Él tiene su propia idea sobre la moral y el orden, más allá de las reglas y los códigos de la ley. A lo largo de los episodios, Luther establecerá una serie de duelos psicológicos entre cazador y cazado, depredador y presa. Será una lucha entre su facilidad para recurrir a la violencia y su gran amabilidad; tan pronto vulnerable e impulsivo como visionario. Su mujer le abandonó para irse con otro hombre, y sus colegas se suelen quedar con la boca abierta, intimidados ante su lucidez. Aunque la intensidad de sus convicciones se combine con la violencia de sus pasiones, este enfrentamiento provoca una cuestión: ¿es Luther un hombre bueno o un hombre despiadado perdido en su autodestrucción? La confidente de Luther es su mayor enemiga, Alice, una bella asesina que se evadió de él en un primer momento y con el que ha comenzado una batalla letal de inteligencia e ingenio. A medida que el juego se va volviendo profundo y cada vez más personal, la soledad de Luther le lleva hasta el límite. ¿Serán sus demonios personales más peligrosos que cualquiera de los criminales a los que persigue?   Luther Critica Una enormísima actuación de Idris Elba, bien acompañado. Tramas sobresalientemente pensadas. Momentos adrenalínicos que ponen los pelos como escarpias. El ritmo idóneo. Perfección técnica. Inteligencia. Un estilo un tanto particular que mola. Guiones dotados de cierta profundidad que se sumergen en la psicología de los personajes, asesinos incluidos. En definitiva, todos los requisitos que se le pueden exigir a un producto policiaco. No es de extrañar que enganche. Y, joder, cómo engancha. Seis capítulos. Si es posible respetar la relación cantidad-calidad, que vengan más. Incluso... Luther no desencajaría en la gran pantalla. Y triunfaría, justamente.
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Wonderstruck: El museo de las maravillas

Drama
6.2

Wonderstruck: El museo de las maravillas Ben y Rose son niños de dos épocas distintas, que desean en secreto que sus vidas sean diferentes. Ben sueña con el padre que nunca conoció, mientras Rose lo hace con una misteriosa actriz cuya vida narra en un libro de recuerdos. Cuando Ben descubre una pista en casa y Rose lee un tentador titular en el periódico, ambos comienzan una búsqueda que se desarrollará con una fascinante simetría. Wonderstruck: El museo de las maravillas Critica Cualquiera que conozca la filmografía de Todd Haynes no la describirá precisamente como accesible. Su magistral último trabajo, “Carol” (2015), sobre un romance lésbico en la década de los 50, no fue exactamente una película para todos los públicos. Ello no tiene nada que ver con la calidad de sus películas, todo lo contrario, posiblemente estemos ante uno de los mejores realizadores contemporáneos, sino por la complejidad de sus temáticas y contenidos. En cambio, con Wonderstruck, posiblemente estemos ante una excepcionalidad en su obra, un cuento de hadas moderno, dirigida tanto a mayores como a jóvenes, ideal para verla en familia. Aunque el libro de Selznick presenta personajes infantiles, y estaba dirigido en un inicio al público más joven, en el fondo conecta con los lectores de todas las edades. Con Wonderstruck sentimos que Haynes apunta en la misma dirección, continua con el mismo enfoque y no se dirige exclusivamente a un público infantil. Wonderstruck es una película sobre la vida, el cine y los museos. Utiliza la luz, el sonido, el montaje, la puesta en escena y los decorados para retratar las misiones profundamente sentidas de dos niños: Ben y Rose. Ambos poseen la misma edad y dificultades (son sordos) para encontrar a sus respectivos padres. Ben y Rose no se sienten realizados en sus lugares y sueñan con otra vida. Ambos deciden ir a Nueva York y tomar el mismo camino. Las dos lineas narrativas se describen en paralelo a la espera de que ambas confluyan en un mismo punto y nos de respuesta a las intrigas planteadas de inicio. La aparición de Millient Simmonds en su debut en la gran pantalla, es un maravillosa sorpresa y un gran descubrimiento. Tras una mirada conmovedora y unos gestos equilibrados, sentimos y notamos de manera natural todas sus emociones. El otro protagonista infantil, Oakes Fegley, en cambio, pese a su corta edad, es ya un veterano. Todos le recordaremos por su actuación en “Peter y el Dragón” (2016). Sobre las películas de Tod Haynes, independientemente de que puedan estar mejor o peor, lo único que puede asegurarse siempre es que el diseño de producción será perfecto y Wonderstruck no es una excepción. El diseñador Mark Friedberg (The Amazing Spider-Man 2) recrea dos épocas totalmente diferentes de Nueva York con un toque magistral. Es una autentico gozo y placer observar la profundidad y minuciosidad con que están filmados todos los detalles de cada periodo. Como nos tiene siempre acostumbrados, Tod Haynes ha conseguido nuevamente en Wonderstruck mostrarnos su especie de marca registrada: Realizar una película pensando hasta el mínimo detalle. Junto a su Director de Fotografía Ed Lachman, usan una sorprendente combinación de películas Kodak de 35 mm en blanco y negro, con otras en color, para dar a las dos líneas narrativas desarrolladas en la trama una autenticidad y una belleza única. La ciudad de Nueva York de los años 20 que habita Rose, además de la magnífica fotografía, va acompañado de un impresionante diseño de vestuario, decorados y escenografías que consiguen mágicamente transportar y trasladar a los espectadores a otra era. Desde la ropa de la gente hasta los carruajes de la época mantienen nuestros sentidos absortos ante la magnitud del espectáculo ofrecido por Haynes, donde todo está recreado a la perfección. La fotografía en blanco y negro aumenta la sensación de realismo, del mismo modo que la inexistencia de sonido crea la impresión de estar viendo una película muda. El mundo de Ben en la década de los 70, psicodélico, funky y saturado contrasta con el de Rose en Blanco y negro, silencioso, entusiasta y envolvente. Ed Lachman recrea estos años con colores naranjas quemados. Al igual que en la época de Rose, las calles llenas de gente por las que deambula Ben están minuciosamente realizadas tanto en decorados como vestuarios. Ademas, Tod Haynes, emplea aquí canciones como “Space Oddity” de David Bowie o “Fox On The Run” de Sweet para conseguir mayor efecto y autenticidad. Al igual que en las películas mudas, la partitura tiene un peso relevante en el resultado final, y por la magnífica utilización de la música en cada una de las escenas, brilla el excelente trabajo de Carter Burwell con el que ya colaboró Haynes en “Carol“. Su música evoca sentimientos y emociones sin llegar a ser nunca manipulador. Wonderstruck realiza un bello homenaje al cine mudo, a esa transición hacía el cine sonoro. Una película mágica que consigue trasladar al espectador, como si de una máquina del tiempo se tratara, a otras épocas (los años 20 del cine mudo y la época funky de los 70), gracias a una espectacular ambientación con una minuciosa realización donde se cuida el más mínimo detalle.

Alelí

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Alelí AL de Alba y Alfredo, E de Ernesto y LI de Lilián. Las iniciales de todos forman el nombre que cuelga al frente de la casa de playa: ALELÍ. De todos menos de Silvana, que nació́ tarde. Después de la muerte del padre de los Mazzotti, la venta de la casa es inminente. A raíz de un inesperado retraso en la ejecución de la venta, la familia se embarca en un fin de semana de ira desenfrenada, voluntades encontradas, nostalgia no resuelta, sillas de playa, flores de Bach y encontronazos con la ley. Un fin de semana en el que todos chocarán entre sí, figurativa y literalmente hablando.   Alelí Critica Qué difícil es adaptarse a la vida misma cuando se va un ser querido. De eso trata este drama. Es puntual. No es exagerado. Hace poco falleció mi abuelo y vi a mi familia decirle "adiós". Cada quien a su modo, unos más intensos que otros, tal como en esta película. Algunos pasajes de la película me hicieron abrazar a mi mamá, con quien la vi, y recordé sus gestos, su nudo en la garganta cada vez que habla del gran Luis Valdés. Un papá, un abuelo y un ejemplo. El gran mérito de esta obra es eso, el reflejo de una situación tan dolorosa como común en este mundo. Además la actuación de Néstor Guzzini es increíble.

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La música del terremoto

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La música del terremoto Tokio, Tokio, año 1989. Lucy Fly (Alicia Vikander) es una mujer expatriada que huye de un doloroso pasado. Cuando su mejor amiga en la capital japonesa Lily Bridges (Riley Keough) desaparece sin dejar rastro, recae sobre ella la sospecha de haberla asesinado tras darse a conocer un triángulo amoroso entre ellas dos y Teiji (Naoki Kobayashi), un atractivo fotógrafo japonés.   La música del terremoto Critica 'La Música del Terremoto' decepciona ya que tenía muchos alicientes para llegar a ser una buena película. Un director con una trayectoria interesante, Atticus Ross (oscarizado por 'La Red Social') encargado de la banda sonora, un elenco de primera con dos de las actrices más en forma del momento, una ambientación ochentera situada en el siempre exótico Japón y ese estilo pop con fotografía colorista que podía darla un toque único. En cambio, nos encontramos con un thriller mediocre que no logra ser lo suficientemente atractivo debido principalmente a una plana adaptación de la novela inglesa multipremiada en la que se basa. No tiene un ritmo que enganche al espectador (en parte por culpa del montaje), recurre a secundarios estereotipados y poco desarrollados e intenta poetizar continuamente recurriendo a situaciones y diálogos forzados. Su director está curtido en películas con personajes femeninos potentes. En sus anteriores trabajos cumple dirigiendo a actrices de renombre como Keira Knightley, Christina Ricci o Julianne Moore en sendos papeles protagonistas, y en esta ocasión hace lo propio con las talentosas Riley Keough y Alicia Vikander, sin duda lo mejor de la película junto con el toque exótico de rodarse en tierras niponas. Pero resulta un esfuerzo vacuo, porque a pesar de estar bien contextualizada, la historia en su conjunto carece del interés necesario y no consigue sumergirnos en la atmósfera intrigante u opresiva que cualquier buen trama noir necesita. Ahí están ejemplos como 'Burning' o 'Under the Silver Lake', cercanos en temática y tiempo aunque no en resultado.  

Fiebre del ladrillo

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7.3

Fiebre del ladrillo cuenta la historia del auge y caída de dos estafadores inmobiliarios. Viktor Stein, Gerry Falkland y la banquera Nicole Kleber se hacen increíblemente ricos en muy poco tiempo. Pero enseguida se ven arrastrados a una vorágine de mentiras, fraude y engaño hasta que, en un momento dado, pierden el sentido de la realidad y deben decidir qué es lo que de verdad les importa.   Fiebre del ladrillo Critica *El león de Berlín La película Fiebre del ladrillo es una comedia bastante cínica. La primera secuencia ya lo deja claro. Una fiesta orgiástica filmada a cámara lenta mientras se escucha la famosa aria Una furtiva lagrima de la ópera L’elisir d’amore del compositor italiano Gaetano Donizetti. Vanagloriar el exceso será el modus operandi de esta película escrita y dirigida por el cineasta alemán de origen turco Cüneyt Kaya. Fiebre del ladrillo es el elocuente título de una película que nos muestra con detalle la crónica de un estafa, desde el punto de vista del estafador. Una propuesta que se mira en el espejo de El lobo de Wall Street (Martin Scorsese, 2013) y bien podría haberse titulado El león de Berlín (los que hayan visto la peli lo entenderán). Si el film del genio de Queens se ubicaba en la Bolsa de Nueva York, aquí los protagonistas se dedican al mercado inmobiliario, a la compraventa de inmuebles. Se hinchan a ganar dinero que luego despilfarran en fiestas con prostitutas, drogas y alcohol. *Atracción por la amoralidad Fiebre del ladrillo aborda el tema de la especulación inmobiliaria que nos condujo a la gran crisis económica que azotó a todo el mundo. Pero está muy lejos de realizar un retrato crítico o moralista. Todo lo contrario. Se nos muestra a un joven emprendedor sin un euro en los bolsillos que crea un imperio de la nada. Falsea documentos y se hace pasar por un acaudalado inversor que compra propiedades con un dinero que no tiene y que roba a la pobre gente que confía en él. Hay un claro sentimiento de admiración por parte del autor hacia su personaje. Lo justifica. Por otro lado, no encontramos a nadie con integridad moral en la película, todo el mundo se vende delante de un maletín repleto de billetes, da igual que sean banqueros o agentes judiciales. Ese paisaje tan monocromático en el aspecto ético, crea un clima tonal más fabulesco que realista. Fiebre del ladrillo tiene el mismo problema cuando utiliza el recurso fácil del estereotipo. La mayoría de personajes femeninos y de inmigrantes, se describen de forma muy pobre. Entiendo que la película apuesta principalmente por la comedia desenfadada, pero ese simplismo tan esquemático le termina por perjudicar. *Conclusión Fiebre del ladrillo es una película alemana escrita y dirigida por Cüneyt Kaya (UMMAH – Entre amigos). Se podría considerar como una comedia dramática con elementos de thriller criminal que posee un tono eminentemente cínico sobre la condición humana. Aunque trata el tema de la burbuja inmobiliaria y de los especuladores que se forraron a costa de gente humilde, no realiza ningún discurso crítico ni moralista, más bien todo lo contrario. La película es la crónica de una estafa, desde el punto de vista del estafador. Y el director se siente cómodo en ese retrato donde la ética se escurre entre los dedos a la misma velocidad que se cuentan los billetes. Fiebre del ladrillo es una película bastante ágil y entretenida que se convierte en algo demasiado intrascendente debido a la ausencia de un discurso que profundice más allá de lo puramente cínico.

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No Soy tu Enemigo La amistad entre Ann Atwater (Henson), un activista negro sin pelos en la lengua, y Clairborne Paul Ellis (Rockwell), un miembro de alto rango del Ku Klux Klan, es el foco de atención de "The Best of Enemies". Ambientada en los años 60, justo en el momento álgido del movimiento por los derechos civiles que sacudió Norteamérica, ambos personajes entablan una curiosa relación.   No Soy tu Enemigo Critica Interesante conocer el punto de vista de Robin Bissell sobre un hecho histórico, medio centenar de años atrás, en que en EEUU se aún se trabajaba, y se sigue trabajando, por intentar dejar atrás una de las etapas más bochornosas de la humanidad occidental o capitalista. La película de "buenos y buenismos" contra "malos y malismos" es un no parar de clichés concatenados pese a lo cual se hace amena, fácil de ver y por ende entretenida, sustentada en la gran actuación de los dos personajes principales, destacando el magnetismo de Rockwell.