Sed de revancha

7.8
“Sed de revancha” es una serie ligera, entretenida y con un misterio muy bien construido. Es muy Pretty Little Liars antes de que perdieran la cabeza y consigue mantener el suficiente interés para mantener la atención y el ritmo en cada capítulo. Algunas series no están destinadas el curso de la televisión, simplemente están ahí para ser consumidas, entretener y que pases un buen rato viéndola. Eso es lo que sucede con “Sed de Revancha”, el telenovelesco título en español para la serie original de la BBC “Get Even” que Netflix ha distribuido por todo el mundo. “Sed de revancha” es básicamente la respuesta británica a “Pretty Little Liars”, tenemos un instituto de pago, un grupo de amigas muy diferentes (de hecho no son amigas, solo se unen por conveniencia), un misterio central y las protagonistas “acosadas” por alguien misterioso. La diferencia principal entre “Sed de revancha” y Pretty Little Liars” es que la británica no se toma demasiado en serio, opta por una ruta más clara de entretenimiento que de trascendencia o autocomplacencia. La otra gran diferencia es que aquí las actrices aparentan su edad y actúan acorde a la misma. Que nadie se espere un élite, un Euphoria, un 13 reasons why o incluso un Gossip Girl. Esta serie las protagonistas son puras adolescentes y actúan más o menos como tal, y eso le da cierto aire de credibilidad. Cierto es que son personajes arquetipos, pero con el suficiente desarrollo como entrar en ellos. Si algo acierta la serie es en el misterio central, consigue que los 10 capítulos de media hora te mantengan alerta y con las suficientes dosis de giros e intriga. El “drama adolescente” es lo suficientemente inteligente y se le presta tan ligera atención como para que no pongamos los ojos en blanco todo el tiempo. Lo mejor: Es puro entretenimiento
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Green Book

Comedia Drama
8.3

Green Book Años 60. Cuando Tony Lip (Viggo Mortensen), un rudo italoamericano del Bronx, es contratado como chófer del virtuoso pianista negro Don Shirley (Mahershala Ali), durante una gira de conciertos por el Sur de Estados Unidos, deberá confiar en "El libro verde", una guía de los pocos establecimientos seguros para los afroamericanos, para encontrar alojamiento. Son dos personas que tendrán que hacer frente al racismo y los prejuicios, pero a las que la bondad y el sentido del humor unirán, obligándoles a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida. Green Book Critica   "Paseando a Miss Daisy", Bruce Beresford (1989) cuenta la historia de una autoritaria profesora jubilada al que su hijo contrata a un chófer negro para que la lleve de paseo. Esta bonita (si, he dicho bonita) película es como "Driving Miss Daisy" pero al revés, una emotiva historia sobre un chofer blanco y su jefe negro. El chofer es Tony Lip (Viggo Mortensen), un rudo italoamericano del Bronx, su jefe, nada mas y nada menos que el virtuoso pianista negro Don Shirley (Mahershala Ali), toda una eminencia. Tom Shirley grabó muchos álbumes para la compañía discográfica estadounidense Cadence durante los años 50 y 60, experimentando con el jazz con una influencia clásica. Y si, estamos ante una historia real. Hay películas que están confinadas a convertirse en clásicos y esta es una de ellas. Al igual que el año pasado se estrenó "Tres anuncios en las afueras", Martin McDonagh (2017) (también destinada convertirse en clásico) llegaron para quedarse y arrasar en las galas de premios (aunque la película de McDonagh no se llevó el Oscar a la mejor película). Esta película lo tiene todo para arrasar y llevarse todos los premios a casa y con eso no estoy diciendo que haya sido creada para ello, ojo, es muy distinto. "Green Book" es un término que hace referencia a las guías de viaje que indicaba a los ciudadanos negros en qué alojamientos de los estados sureño podían pasar la noche, la película es una alegato en contra del racismo, sientes rabia e impotencia al ver lo que puede llegar a pasar el músico interpretado por Mahershala Ali por el simple hecho de ser negro. La bondad y el sentido del humor unirán a los dos personajes, obligándolos a dejar de lado las diferencias para sobrevivir y prosperar en el viaje de su vida. Y es que la película es una encantadora mezcolanza de buenos sentimientos, es una película que no decae en ningún momento, no recurre a trucos fáciles, y hablando de fácil, tampoco recurre como puede pasar en este tipo de películas en caer en la sensiblería para conseguir la lagrima facil. tiene un inspiradísimo sentido del humor por supuesto, un poco, porque no puede faltar dado lo que está contando de meter los conflictos raciales. Hay tantos temas que explorar en "Green Book", la película no solo habla de racismo, uno de ellos, que me parece fascinante, es ¿hasta donde puedes llegar debido a tu talento?, ¿Qué valor le da a este la sociedad? ¿Te quedas (por mis santos cojones) en un sitio donde no quieren que estés? no solo Dr. Don Shirley pasó por eso, también Nat King Cole o Ray Charles, y no hablamos de que les pasara en los inicios de sus carreras no, hablamos que les pasó siendo ya estrellas consagradas. Una de las cosas por las que esta película funciona como un reloj suizo es desde luego por sus interpretaciones, Mahershala que ya conocíamos sus dotes interpretativas por "Moonlight", película que le hizo ganar un Oscar al mejor secundario, es un deleite, sin la menor duda. Lo admiras, lo odias, lo amas y te rompe el corazón, genial que lo hayan nominado por su actuación a los Globos de Oro. También ha sido nominado como cabía de esperar Mortensen, es una maravilla lo que consigue el gran actor con su Tony the Lip es, desde luego legendario. La gran sorpresa para mi de la película no ha llegado con los actores y con sus interpretaciones no, la gran (que digo gran... grandísima) sorpresa ha llegado al saber quien era el director del film, cuando veía la película y salían los títulos de credito, al leer "directed by Peter Farrelly", lo primero que se me ha pasado por la cabeza es, no, no puede ser el mismo Peter Farrelly que dirigió junto a su hermano Bobby Farrelly "Algo pasa con Mary". "Yo, yo mismo e Irene", "Vaya par de idiotas" o "Dos tontos muy tontos", en mi cabeza no entraba un cambio tan radical, pensaba, oye pues lo mismo hay otro director llamado Peter Farrelly y yo no me he enterado, y no, no me he equivocado, es el mismo Farrelly.

María Magdalena

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6.1

María Magdalena Película biográfica bíblica que cuenta la historia de María (Rooney Mara), una joven mujer en busca de una nueva forma de vida. Restringida por las jerarquías de la época; María desafía a su familia tradicional al unirse a un nuevo movimiento social dirigido por Jesús de Nazareth (Joaquin Phoenix). Pronto encuentra su lugar dentro del movimiento y en el corazón de un viaje que la conducirá a Jerusalén. María Magdalena Critica Hacía tiempo que no frecuentaba el programa doble, cosa que resulta difícil de compaginar si los horarios no son compatibles. Después de disfrutar de un título que sorprendentemente tenía mucho que ver con lo que a continuación aguardaba, mis expectativas subieron desde el minuto uno como la espuma debido al plano inicial que presuponía una obra maestra y la mejor película sobre esta temática jamás filmada. Pero Garth pasó de un Malick alegórico y simbólico a un Rossellini austero y escueto, dejándome desconcertado por completo, pues cuando creía que iba a ver algo que no había visto antes, empecé a temerme que volvería a ver lo mismo, pero no, no fue lo mismo, hubo una nueva visión, una visión con otra mirada, una visión vista desde fuera y a la vez desde dentro, como una especie de 3D sin gafas, y entendí por primera vez ciertos pasajes que antes no entendía (cosa que en sí misma ya supone para mí un gran mérito de cara a la película). Tal vez lo que le eche en cara a Garth Davis es haber hecho una película excesivamente compleja, no haber dejado suficientemente claro desde el principio el mensaje que pretendía transmitir, haberse andado por las ramas, dejado atrapar por una exposición shakesperiana, pero al final, puesto a reflexionar, ¿y si tal voluntad era intrínseca a la línea argumental, a la complejidad de un mensaje que en su momento fue fácilmente malinterpretado? Otro punto a favor del bueno de Garth. A este respecto serviría de ejemplo ilustrativo la perfecta definición del personaje de Judas (excelentemente interpretado), en clara contraposición al personaje de María, que no es sólo la María del título, sino también la María madre, e incluso la María santa, ya que María lo es todo, y representa tanto al ser humano como al ser divino. Rooney vive el personaje como parte de ella, es María, y eso maravilla, ya que es como ser partícipe de una conversión real (sí, ya sé que se trata sólo de una interpretación), como ver a Dolores Hart profesar sus votos, y al compartir ese sentimiento sentirlo como propio. No me olvido de Joaquin, el problema es que Joaquin no hace de Mesías, hace de sí mismo, permanentemente atormentado, consumido, como si hubiera cometido algún terrible pecado en el pasado de cuya culpa le resultara imposible desprenderse, o tal vez eso no sea un demérito, tal vez sea esa la intención de Garth (otro punto a su favor). La escena de la resurrección de Lázaro resulta realmente extraordinaria, y el mejor ejemplo para explicar el significado de la Pasión. Me gusta cómo Garth Davis utiliza los elementos y los descompone para a partir de ahí construir una historia distinta que cuenta lo mismo, pero con mayor fuerza y contundencia, porque la palabra no es única, lo es su significado. Y todo ello sin necesidad de recrearse en lo obvio, resumido a lo mínimamente necesario e ineludible, con el alegato de que la verdadera revolución consiste en cambiar uno mismo, que todos somos iguales y libres, y que el Reino de Dios reside en aquellos que tienen fe.

Los lobos

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7.1

Los lobos Max y Leo de 8 y 5 años, son llevados de México a Albuquerque (EU) por Lucía, su madre, en busca de una mejor vida. Mientras esperan que su mamá regrese del trabajo, los niños exploran a través de la ventana de su departamento el inseguro barrio habitado por latinos y asiáticos; escuchan los cuentos, reglas y lecciones de inglés que ella les deja en una vieja grabadora de cassette, construyen un universo imaginario con sus dibujos y anhelan que su mamá cumpla la promesa de ir a Disneylandia.   Los lobos Critica Los lobos es el segundo largometraje del director y guionista mexicano Samuel Kishi, quien basa la historia en las vivencias de su propia infancia cuando sufrió en sus carnes el drama de la inmigración. El sueño de dejar todo atrás para comenzar de nuevo en una tierra extraña, con todas las dificultades y frustraciones que ello genera. Una madre trabajadora que busca un futuro mejor para sus hijos, pero que a su vez, le obliga a dejarlos solos durante todo el día para que ella pueda realizar largas jornadas laborales en trabajos precarios alejados de su nuevo domicilio. Con muchos puntos en común con la magnífica The Florida Project de Sean Baker, Los lobos decide dar protagonismo a los dos pequeños, quienes han de pasar un encierro en el pequeño y destartalado apartamento. La imaginación desbordante es fundamental en la edad más temprana, igual que la percepción de un paso del tiempo que avanza a ritmo parsimonioso, dos elementos claves en el film. Max y Leo se inventarán juegos para que su mente vuele más allá de las paredes del apartamento, representadas con unas animaciones de personajes desdibujados llenas de encanto y que mostrarán tanto los pensamientos de dos niños pequeños deseosos de vivir aventuras como las frustraciones que les genera el encierro. Una madre agotada y superada por la situación, el miedo porqué no les suceda nada a los dos pequeños y el desespero y aburrimiento de las dos criaturas, hace que todo estalle y se generen momentos dramáticos, pero esquivando hábilmente el melodrama y siempre ofreciendo una contrapartida optimista. Una película perfecta para la reflexión en la era del confinamiento y las políticas migratorias de Trump.

Locamente millonarios

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Locamente millonarios Rachel Chu es profesora de economía en la Universidad de Nueva York, allí conoce a Nick Young -profesor de historia- y se enamoran. Ambos tienen que viajar a la ciudad natal de Nick, Singapur, para asistir a la boda de su mejor amigo. Es allí cuando Rachel descubre que su novio pertenece a una de las familias más ricas de Asia y que todas las solteras de clase alta están increíblemente celosas de ella. La joven tendrá que enfrentarse a todas ellas y demostrar a la familia de su novio que ella también es digna de estar con él. Locamente millonarios Critica A menudo, en Hollywood y sobre todo en el cine europeo, nos han presentado a los ricos como una clase moralmente decadente, de vida disipada e infeliz a pesar de tener mucha panoja, incapaz de encontrar el verdadero amor y adicta al mam, que decimos los catalanes. Esa visión no tiene sino el propósito de apaciguar a los pobres, quienes a pesar de vivir en cuchitriles y de juntarse con otros pobres, al menos encuentran ese amor prístino y lo manifiestan con hipotecas salvajes aun cuando no tienen donde caerse muertos, mientras los ricos evaden impuestos y lloran en ferraris ansiando tener la dicha de los pobres. No digo que no haya ricos que son miserables, por supuesto que los hay, pero no es ni mucho menos tan común como nos han vendido. Los ricos montan fiestones, se cepillan a pibones y si no logran obtener el amor puro y verdadero del que no tiene nada que ofrecer más que a sí mismo, el dinero hace que la sensación sea tan similar que sería difícil encontrar la diferencia. Ser rico es lo mejor que te puede pasar en este mundo. Que no te engañen. Viven más, mejor y no pierden tiempo en las cosas en las que a nosotros se nos consume la vida. Es jugar en modo fácil y chetado a tope. Crazy Rich Asians celebra la riqueza y el estilo de vida de los que la disfrutan, no se esconde en este refrito de cenicienta lleno de clichés del género, porque sabe que el mensaje de rico pobre de espíritu ya no funciona tan bien en una sociedad cada vez más desigual. Ahora los ricos deben ser enrollados y abandonar el clasismo, así conectamos con ellos y se nos pasan las ganas de cortarles las cabezas. Lo que debería haber hecho la protagonista es coger una metralleta y liarse a tiros desde la escalera a lo Tony Montana.

Along with the Gods: Los dos mundos

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7.7

Along with the Gods: Los dos mundos Tras morir de forma inesperada, el bombero Ja-hong es llevado al más allá por tres guardianes. Sólo si pasa una serie de juicios durante y demuestra que es inocente en su vida, es apto para reencarnarse. Sus tres guardianes le apoyarán y le defenderán. Along with the Gods: Los dos mundos Critica es llevada tan mal a cabo? Un joven bombero fallece y debido a que ha tenido un alma especial es posible que pueda reencarnarse. Para ello, acompañado de sus ángeles de la muerte, tendrá que pasar por los 7 infiernos y dar cuenta de cómo ha vivido. Me parece una muy buena base de la que partir. Sin embargo, a la realización del largometraje le sobran fuegos artificiales y tonterías varias. La música no ayuda en nada. Y llega a ser repetitiva la estructura del desarrollo* (más en spoiler). En la parte positiva cuenta con buen elenco de actores, la historia familiar va cobrando sentido y se atan los cabos sueltos de manera muy emotiva hasta conmover. Aunque no quedan todos atados, para eso está la secuela. A pesar de que me parece que no es una película bien hecha, creo que es recomendable y que, no siendo muy exigente, asegura pasar un poco más de dos horas entretenidas.

Nostalgia

Drama
6.5

Nostalgia Se centra en un grupo de personas que están conectadas a través de la pérdida y analiza cómo la gente encuentra amor y consuelo a través de los recuerdos y los objetos que comparten entre sí. Nostalgia Critica “Nostalgia” tiene muy buena crítica porque es muy imperfecta. Esta obra, dirigida por un tal Mark Pellington, está repleta de buenas intenciones muy mal enfocadas, y aborda un tema interesante pero no cuenta con la destreza necesaria a la hora de tratarlo. Puede que no sea una tortura china, pero si es una película que nos muestra una de las peores caras del séptimo arte: la del cine MAL HECHO. Pero vamos poco a poco… La película comienza con una interpretación sumamente natural, que parece más cercana a una entrevista para un documental que a la ficción. Incluso tras ese pequeño dialogo nos deja unos segundos en los que su lenguaje parece querer narrar algo: Existe un marcado juego de color y de composición que vaticina una obra cuidada en lo estético, protagonizada por un personaje peculiar que atraerá nuestra atención relativamente pronto. Pero TODAS estas sensaciones se van diluyendo conforme avanza la trama, en una especie de montaña rusa sin término medio: a veces funciona sobradamente y a veces se precipita sin compasión en lo más bajo. La historia está compuesta por un conjunto de personajes que han perdido a alguien importante de sus vidas, y que tienden a representarlo y a mantener su recuerdo a través de los objetos. Para tratar todo esto, su creador se ha decantado por diseñar un argumento en el que se cruzan un buen número de personajes, cada uno con su historia, su evolución y sus movidas. Esta dinámica podría ser interesante, pero está fatal llevada: en primer lugar, porque no somos conscientes de la dinámica hasta que no ha avanzado el film lo suficiente como para que ya conozcamos a tres personas; personas que es fácil que ignoremos pensando que serán abordadas en profundidad más adelante. Somos seres que ven MUCHOS productos audiovisuales, y sus códigos y sus férreas estructuras se encuentran marcadas en nuestro ADN a fuego, impidiendo que las propuestas que rompen esas tónicas lo hagan nada más empezar. En “Nostalgia” ocurre esto, y nos vuelca en sus primeros compases sin apenas hablarnos del que parece protagonista, y hablándonos mucho de una trama que se abandona antes del primer tercio de la historia y que sirve de introducción. Además, se trata de una trama de poco interés real, que entremezcla un drama familiar excesivamente complejo como para ser tratado en veinte minutos. Después la cosa se anima con el interesante personaje de Ellen Burstyn, de lo más reseñable de la película, y ésta toma el relevo del personaje principal, abandonándolo sin dejar rastro. Cuando nos acostumbremos a ella, saltaremos a otro, y luego a otro, y a otro, y a… VALE, NO HAY TANTOS pero ya pilláis la dinámica. Cuando comencemos a empatizar con alguien deberemos despedirnos de él para que la obra continúe su caprichoso relato, sin rastro alguno de una trama “madre” que unifique la narración hasta el final. Además, la forma de enfocarlo es PATOSA. A grandes rasgos, vamos saltando de monologo sentimentaloide a monólogo sentimentaloide sin compasión alguna, en un ejercicio absurdamente dramático que cede absolutamente TODO el puto protagonismo al personaje en pantalla, manteniendo su intervención en un estúpido primer plano fijo en su rostro. La estructura, vista en conjunto, da risa: introducción de la situación, monologazo densito, desenlace y NEXT. Además, el señor Pellington no cuenta ni con la imaginación ni con la habilidad necesaria como para camuflar este inconveniente, y no dejo de imaginarlo deshaciéndose en halagos hacia unos actores que hacen lo que pueden, pero que se encuentran lejos de suplir los estándares más bajos. Dentro de lo malo, existen pequeños rayos de luz que salvan a “Nostalgia” del abismo. En primer lugar, la pequeña trama de la mencionada Ellen Burstyn, que funciona sobradamente e incluso se atreve a explotar una alternativa estética en la que el director SÍ que puede llegar a convencernos. Su personaje y su conflicto es interesante, se encuentra super bien planteado y está muy bien defendido por la actriz, logrando que sea el momento que la película nos atrapa –ligeramente-. Os lo juro: si no llega a ser por ella, la habría quitado. Por otro lado, tenemos el personaje de Mickey Madison, que protagoniza una de las mejores escenas del film. Tras una secuencia en la que Pellington se ve desbordado de TANTO PUTO DRAMA, la obra frena, respira, reordena y enfoca la tragedia desde un punto de vista original y, al mismo tiempo, demoledor. En esos segundos que parecen más fortuitos que intencionales, “Nostalgia” nos muestra todo su potencial en un último esfuerzo por cautivarnos, y lo consigue. Siento haber ignorado todo lo que no era guion, pero es que este departamento es uno de sus pilares. El resto de departamentos están ahí, sí, pero no nos ofrecen nada lo suficientemente bueno/malo como para destacar. Quizá debería aplaudir la banda sonora, que enfatiza y sabe darle tono a una obra fallida en su forma y es su contenido, muy cercana al aburrimiento más absoluto. Quizá sepa llegar a quiénes se encuentren en situaciones similares, o quizá su final justifique haberse tragado toooodo el desarrollo; pero a priori no encuentro ningún motivo por el que esta obra le pueda interesar a una persona mentalmente sana.